音箱耳机的本质是还原而不是美化

唱片的制作早就不再局限于还原现场，重放设备应该还原的目标是唱片，更严格来讲，是母带

音箱耳机的本质是还原而不是“美化”（3）：还原的目标是现场吗？

文：刘陆伟（音乐制作人、唱作人、录音混音师、吉他手、释魂乐队主创）

一说到“还原”，又有些发烧友认为“还原”的目标就是还原现场，这其实也是片面的。我发现还是必须回归到音乐制作、唱片录音混音的发展历史，才能更好地帮大家讲明白这个问题。

录音技术出现之前，那时的音乐我们可以称之为原声音乐（Acoustic），使用的都是原声乐器，在自然的厅堂或者环境里，靠乐器本身物理振动发声，音量和音色等都完全靠乐器和演奏者本身控制，还没有电声学技术的介入。那时的音乐类型主要是交响乐、民间音乐、教堂音乐、爵士乐等，其中只有交响乐团的声部间比例平衡能够达到比较好的程度，其他的很多音乐风格和乐队形式都达不到这么好的平衡度。交响乐团里的那些乐器都是经过长期实践后挑选出来的，它们需要在音色上和数量上进行合理的搭配，以使得合奏起来能够得到平衡的音响效果。作曲家在编曲配器的时候就得考虑实际合奏出来会是什么样，指挥则要按照他对总谱的解读指挥着乐手们，乐手也都是万里挑一的精英，他们要能够精准地控制自己的乐器，在指挥的指导下通过反复的排练，让作曲家的意图准确再现出来。古典音乐的录音师要做的就是把这种经过几百年的发展的、在原声现场演奏状态下就比较平衡的音乐给忠实地记录下来。

早期的录音基本都是现场录音，在乐队演出的现场摆好话筒、开录就行了。最初就是用一只话筒拾取声音，录下来的声音用一只音箱重放，这可以理解为所谓的单声道（mono）。后来出现了双声道立体声录音技术和双声道立体声重放系统（stereo），用两只话筒按照立体声拾音制式来拾取声音，录下来的声音分为两个声道，分别让两只音箱重放，如果一切都按照立体声理论的要求来正确设置和摆放的话，听音人就能听到在前方左右两只音箱间形成了一个“声场”（准确的说应该叫立体声虚声源定位），声音的重放开始有了方位和宽度。

但那时候后期处理的技术极其有限，就算有，也是迫于记录和重放设备的性能局限而不得不做一些妥协处理，例如，压缩效果器发明的初衷，主要是因为黑胶和磁带动态范围不够大，承载不了交响乐的动态范围，所以不得不把录到的声音信号的动态范围压缩小一些，再灌录到唱片上。而今天，动态范围早已不是问题，压缩效果器的用途也发生了巨大变化，更多是被当成一种美化音色、修饰音色的手段。

随着录音技术、音频处理技术的发展，出现了多轨录音机、分轨录音技术、以及越来越多的效果器种类，人们早已不再仅仅满足于“用一对立体声话筒录下现场演奏演唱，不做任何后期处理”这种“原始”的方式了。事实上，这种方式的确也往往难以达到令人满意的效果，即使是对古典乐而言。因为虽然西方的交响乐团经过几百年的发展，已经达到了声部间的比例比较平衡的状态，但依然没有真正达到完美，现实中很多音乐厅的声学环境也谈不上完美，各种因素加起来，经常会有主奏乐器被伴奏声部盖住，主奏乐器、主唱或者某些solo乐器不够突出，清晰度不够，直达声和混响比例不理想等等情况。所以就连崇尚“自然、原声”的古典乐现场录音，后来的录音师也经常会使用主话筒和点话筒配合的多轨录音技术，并且后期使用效果器去美化、修饰声音。

而现代音乐绝大多数是在强吸声的录音棚里，通过分轨分期录音、后期混音合成的方式录制的。效果器的使用越来越多，混音的作用越来越重要。

现代音乐所使用的乐器，大多数个性太强，不像古典交响乐团里那些乐器适合多把同款一起齐奏。近现代乐器发展历史太短，其中很多乐器自身的声学特性还不够成熟。例如，如果你听过架子鼓的原声演奏就知道，架子鼓自身的各个部件之间其实是无法获得令人满意的音量比例的（镲片的声音会非常大，而最能体现歌曲节奏律动的底鼓则显得音量偏小，一旦有其他乐器加入进来，底鼓则可能完全听不见了）。这些现代乐器之间的合奏、搭配就成了个新问题，如果架子鼓和民谣吉他一起演奏，民谣吉他会完全被鼓盖住。而且没法像交响乐团那样，通过增减乐器的数量来控制声部间的平衡。

除了原声乐器，现代流行音乐还会使用各种电声乐器（电吉他、电贝司）和电子乐器（合成器、鼓机），电声乐器需要通过各自的专用音箱来正常发声，电子乐器则默认应该是以FRFR音箱来发声。它们倒是可以通过音箱来调节音量。但问题是，如果没有一个像指挥一样的角色站在全局的、观众的角度来指导，每个乐手都只希望自己的声音越大越好，最后就会变成一团糟。

所以现代音乐基本都是用话筒对每个乐器拾音，输入进混音台，混音台可以单独调节每一路信号的音量，来调节声部比例平衡。为了让后期混音有更大的处理自由度，前期录音要尽量不带空间信息（混响要少），尽量清晰干净（杂音要少），这催生了现在我们所熟悉的那种强吸声、强隔音的录音棚。乐手歌手们也不用像古典时期一样非得在一起同时演奏了，而是可以各自分别录好，后期靠混音来合成。混音师呢，就起到了类似指挥的角色。

现在我们能听到的音乐，无论是流行、爵士、摇滚、电子等，里面几乎每一轨、每一个声部都是经过很多效果器处理过的，而不是乐器本来的原始音色，更别说合成器所制造出的声音，那根本就是自然界不存在的声音。那么问题来了：对于自然界中原本不存在的声音，我们如何判断它在重放环节是否足够“还原”？当然就更应该以专业监听音箱为准了，因为这些声音在制作时就是用监听音箱来听的。

唱片的制作早就不再局限于还原现场了，音乐人和录音混音师有更多的手段对声音进行美化了，可以按照自己的艺术理念去追求完美的声音呈现，音乐制作有了更大的艺术想象空间。唱片的声音审美早已经超越了现场的声音审美，成为一套独立的审美体系。

事实上，对于现代音乐来讲，现场的声音审美是以唱片为指导标准的，而不像很多人想象的、唱片的目的就是越还原现场越好。现在绝大多数的音乐现场演出，都是需要扩声的，经常都要把原声乐器、电声乐器、电子乐器混合使用。原声乐器要用话筒拾取之后再用扩声设备重放出来，电声乐器和电子乐器则可以直接走linein再用扩声重放出来，那么这样的一个现场演出，它们的声部比例的标准是什么，它的音色应该要处理成什么样，基本上就是以这首歌的录音室唱片版本为标准的。但是现场演出由于种种条件限制，没法做到像在棚里做唱片那样细腻、精致、完美。

所以有些发烧友认为声音重放“还原”的目标就是还原现场演出，这是不对的。实际上，重放设备应该还原的目标是唱片，更严格来讲，是母带（因为唱片在从母带变成批量生产的、可供销售的唱片的过程中，音质还会有一定程度的损失）。很多发烧友只知道“母带”精度最高、音质最好，市面上也有各种打着“母带”幌子忽悠发烧友的产品，但很多人并没有真正理解母带的含义。母带是一个音乐创作出来之后，经过录音、混音、母带处理等一系列美化之后的、交付唱片生产工厂去大批量复制之前的那个音频文件，它代表了作曲家、音乐人、制作人、录音师、混音师们对这个音乐作品应该以什么样子呈现的最终定论。

母带就代表着成品，代表着美化的尽头，自此之后的环节只需要还原。如果还有人不同意，那我只好请您再把我之前的文字认真看看，再好好理解一下这句话：大千世界的每段音乐成品都是不一样的，而且音乐都是实时动态变化着的，重放环节根本没法对不同的风格、不同的专辑、不同的歌、不同的段落去做出什么有针对性的、有效率的美化。